शैलीबद्ध

 

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21वीं सदी में चित्रकला के आनंद का एक हिस्सा अभिव्यक्ति के उपलब्ध रूपों की विस्तृत श्रृंखला है। 19वीं और 20वीं सदी के अंत में कलाकारों ने पेंटिंग शैलियों में बड़ी छलांग लगाई। इनमें से कई नवाचार तकनीकी प्रगति से प्रभावित थे, जैसे कि मेटल पेंट ट्यूब का आविष्कार और फोटोग्राफी का विकास, साथ ही विश्व की घटनाओं के साथ-साथ सामाजिक सम्मेलनों, राजनीति और दर्शन में परिवर्तन।

यह सूची कला की सात प्रमुख शैलियों (कभी-कभी "स्कूल" या "आंदोलन" के रूप में संदर्भित) को रेखांकित करती है, कुछ अन्य की तुलना में बहुत अधिक यथार्थवादी। यद्यपि आप मूल आंदोलन का हिस्सा नहीं होंगे - कलाकारों का समूह, जिन्होंने आमतौर पर इतिहास में एक विशिष्ट समय के दौरान समान पेंटिंग शैली और विचारों को साझा किया था - आप अभी भी उनके द्वारा उपयोग की जाने वाली शैलियों में पेंट कर सकते हैं। इन शैलियों के बारे में जानने और उनमें काम करने वाले कलाकारों ने क्या बनाया और फिर अलग-अलग दृष्टिकोणों के साथ प्रयोग करके, आप अपनी शैली को विकसित और पोषित करना शुरू कर सकते हैं।

यथार्थवाद, जिसमें पेंटिंग का विषय शैलीबद्ध या सारगर्भित होने के बजाय वास्तविक चीज़ की तरह दिखता है, वह शैली है जिसे बहुत से लोग "सच्ची कला" मानते हैं। केवल जब करीब से जांच की जाती है तो ठोस रंग दिखाई देने वाले स्वयं को कई रंगों और मूल्यों के ब्रशस्ट्रोक की श्रृंखला के रूप में प्रकट करते हैं।

पुनर्जागरण के बाद से यथार्थवाद चित्रकला की प्रमुख शैली रही है। कलाकार अंतरिक्ष और गहराई का भ्रम पैदा करने के लिए परिप्रेक्ष्य का उपयोग करता है, रचना और प्रकाश व्यवस्था को इस तरह सेट करता है कि विषय वास्तविक दिखाई दे। लियोनार्डो दा विंची की "मोना लिसा" शैली का एक उत्कृष्ट उदाहरण है।

19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में यूरोप में औद्योगिक क्रांति के रूप में पेंटरली शैली दिखाई दी। मेटल पेंट ट्यूब के आविष्कार से मुक्त होकर, जिसने कलाकारों को स्टूडियो से बाहर कदम रखने की अनुमति दी, चित्रकारों ने पेंटिंग पर ही ध्यान केंद्रित करना शुरू कर दिया। विषयों को वास्तविक रूप से प्रस्तुत किया गया था, हालांकि, चित्रकारों ने अपने तकनीकी कार्य को छिपाने का कोई प्रयास नहीं किया।

जैसा कि इसके नाम से पता चलता है, पेंटिंग के कार्य पर जोर दिया गया है: ब्रशवर्क का चरित्र और स्वयं रंगद्रव्य। इस शैली में काम करने वाले कलाकार ब्रश या अन्य उपकरण, जैसे पैलेट चाकू द्वारा पेंट में छोड़े गए बनावट या निशान को चिकना करके पेंटिंग बनाने के लिए उपयोग किए जाने वाले चीज़ों को छिपाने की कोशिश नहीं करते हैं। हेनरी मैटिस की पेंटिंग इस शैली के उत्कृष्ट उदाहरण हैं।

प्रभाववाद 1880 के दशक में यूरोप में उभरा, जहां क्लाउड मोनेट जैसे कलाकारों ने यथार्थवाद के विवरण के माध्यम से नहीं, बल्कि हावभाव और भ्रम के माध्यम से प्रकाश को पकड़ने की कोशिश की। रंग के बोल्ड स्ट्रोक देखने के लिए आपको मोनेट की वॉटर लिली या विन्सेंट वैन गॉग के सूरजमुखी के बहुत करीब जाने की ज़रूरत नहीं है, हालांकि, इसमें कोई संदेह नहीं है कि आप क्या देख रहे हैं।

वस्तुएं अपने यथार्थवादी स्वरूप को बरकरार रखती हैं फिर भी उनके बारे में एक जीवंतता है जो इस शैली के लिए अद्वितीय है। यह विश्वास करना कठिन है कि जब प्रभाववादी पहली बार अपना काम दिखा रहे थे, अधिकांश आलोचकों ने इससे घृणा की और उपहास किया। जिसे तब अधूरी और खुरदरी पेंटिंग शैली के रूप में माना जाता था, वह अब प्रिय और पूजनीय है।

अभिव्यक्तिवाद और फौविज्म समान शैली हैं जो 20 वीं शताब्दी के अंत में स्टूडियो और दीर्घाओं में दिखाई देने लगीं। दोनों को उनके बोल्ड, अवास्तविक रंगों के उपयोग की विशेषता है, जिसे जीवन को चित्रित करने के लिए नहीं चुना गया है, बल्कि, जैसा कि कलाकार को लगता है या दिखाई देता है।

दो शैलियों कुछ मायनों में भिन्न हैं। एडवर्ड मंच सहित अभिव्यक्तिवादियों ने रोजमर्रा की जिंदगी में अक्सर अति-शैली वाले ब्रशवर्क और भयानक छवियों के साथ विचित्र और डरावनी व्यक्त करने की मांग की, जैसे कि वह अपनी पेंटिंग "द स्क्रीम" में बहुत प्रभाव डालते थे।

फाउविस्ट ने, रंग के अपने उपन्यास के उपयोग के बावजूद, ऐसी रचनाएँ बनाने की कोशिश की जो जीवन को एक आदर्श या विदेशी प्रकृति में दर्शाती हैं। हेनरी मैटिस के मनमोहक नर्तकियों या जॉर्ज ब्रैक के देहाती दृश्यों के बारे में सोचें.

जैसे-जैसे 20वीं सदी के पहले दशक यूरोप और अमेरिका में सामने आए, पेंटिंग कम यथार्थवादी होती गई। अमूर्त एक विषय के सार को चित्रित करने के बारे में है क्योंकि कलाकार इसे व्याख्या करता है, न कि दृश्य विवरण के बजाय। पाब्लो पिकासो ने अपने तीन संगीतकारों के प्रसिद्ध भित्ति चित्र के रूप में एक चित्रकार विषय को उसके प्रमुख रंगों, आकृतियों या पैटर्न में कम कर सकता है। कलाकार, सभी तेज रेखाएं और कोण, कम से कम वास्तविक नहीं दिखते, फिर भी इसमें कोई संदेह नहीं है कि वे कौन हैं।

या कोई कलाकार विषय को उसके संदर्भ से हटा सकता है या उसके पैमाने को बढ़ा सकता है, जैसा कि जॉर्जिया ओ'कीफ़े ने अपने काम में किया था। उसके फूल और गोले, उनके बारीक विवरण को छीन लिया और अमूर्त पृष्ठभूमि के खिलाफ तैरते हुए, स्वप्निल परिदृश्य के समान हो सकते हैं।

विशुद्ध रूप से अमूर्त कार्य, 1950 के दशक के अधिकांश एब्सट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट आंदोलन की तरह, सक्रिय रूप से यथार्थवाद को दूर करता है, व्यक्तिपरक के आलिंगन में रहस्योद्घाटन करता है। पेंटिंग का विषय या बिंदु उपयोग किए गए रंग, कलाकृति में बनावट और इसे बनाने के लिए नियोजित सामग्री है।

जैक्सन पोलक की ड्रिप पेंटिंग कुछ के लिए एक विशाल गड़बड़ी की तरह लग सकती है, लेकिन इस बात से कोई इंकार नहीं है कि "नंबर 1 (लैवेंडर मिस्ट)" जैसे भित्ति चित्रों में एक गतिशील, गतिज गुण है जो आपकी रुचि रखता है। अन्य अमूर्त कलाकारों, जैसे मार्क रोथको, ने अपने विषय को स्वयं रंगों के लिए सरल बनाया। रंग-क्षेत्र उनके 1961 के मास्टरवर्क "ऑरेंज, रेड, और येलो" की तरह काम करता है: वर्णक के तीन ब्लॉक जिसमें आप खुद को खो सकते हैं।

फोटोरियलिज्म 1960 और 70 के दशक के अंत में एब्सट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज़्म की प्रतिक्रिया में विकसित हुआ, जो 1940 के दशक से कला पर हावी था। यह शैली अक्सर वास्तविकता से अधिक वास्तविक लगती है, जहां कोई विवरण नहीं छोड़ा जाता है और कोई दोष महत्वहीन नहीं होता है।

कुछ कलाकार सटीक विवरणों को सटीक रूप से कैप्चर करने के लिए तस्वीरों को कैनवास पर प्रोजेक्ट करके कॉपी करते हैं। अन्य इसे फ्रीहैंड करते हैं या प्रिंट या फोटो को बड़ा करने के लिए ग्रिड सिस्टम का उपयोग करते हैं। सबसे प्रसिद्ध फोटोरिअलिस्टिक चित्रकारों में से एक चक क्लोज़ है, जिसके साथी कलाकारों और मशहूर हस्तियों के भित्ति-आकार के हेडशॉट स्नैपशॉट पर आधारित हैं।